Danza Contemporánea
Niveles y horarios
Iniciación a la danza:
De 4 a 6 años
- Martes de 17:30 a 18:30 h.
Grado elemental:
De 7 a 10 años
- Miércoles de 17:15 a 18:25 h.
Grado medio:
De 10 a 11 años
- Jueves de 17:30 a 19:00 h.
Grado avanzado:
De 12 a 15 años
- Viernes de 17:30 a 18:30 h.
Grado superior:
A partir de los 16 años
- Lunes de 19:15 a 20:45 h.
Beneficios de la danza contemporánea

Fortalece la autoestima
La danza contemporánea es uno de los mejores bailes para subir la autoestima. Enfatiza la libre expresión. En la danza contemporánea las personas tienen la oportunidad de expresar su propia manera de bailar, siguiendo unos criterios que pueden adaptar a su persona.

Conocimiento del cuerpo
Las técnicas que se estudian en la danza contemporánea ayudan a desarrollar un conocimiento profundo acerca del cuerpo. Ayudan a que se descubra el cuerpo como una expresión única del alma.

Relaja el cuerpo
El principal principio en la mayoría de las técnicas de danza contemporánea es bailar con el mínimo de esfuerzo muscular. En las clases de danza contemporánea se aprenden técnicas, como la Técnica Release, que ayudan a liberar las tensiones musculares y a entrar a un estado de relajación.

Libera estrés
En la danza contemporánea también se usa mucho la improvisación. En la improvisación se baila siguiendo los impulsos orgánicos del cuerpo. Este proceso ofrece una experiencia que libera las tensiones físicas, mentales y emocionales que causan estrés.

Mejora la respiración
La respiración natural y orgánica es uno de los principales principios que se usan en la danza contemporánea. En una clase de danza contemporánea se aprende a respirar de una manera más profunda, a soltar las tensiones que obstruyen el flujo de la respiración y a bailar en armonía con la respiración.

Mejora la postura
En la danza contemporánea se estudian técnicas de anatomía y movimiento somático que ayudan al conocimiento del cuerpo, permiten liberar tensiones y sanar los malos hábitos. Se pueden descubrir las maneras de tener una postura adecuada al realizar cualquier tipo de movimiento, en la danza o en la vida díaria.
Historia de la danza contemporánea

Se habla de danza contemporánea desde la segunda mitad del siglo XX (concretamente, desde los años 60), pero desde entonces se han dado cabida a multitud de estilos, técnicas y disciplinas.
De manera amplia, se puede decir que la danza contemporánea busca constantemente la especialidad e innovación; tanto en la forma de los movimientos, como en las historias que quiere contar, en su estilo de música o en la distribución en el espacio. La característica principal es el eclecticismo, además de que cada autor tiene su estilo individual.
Para entender qué es danza contemporánea y de dónde viene, hay que remontarse a los Estados Unidos de finales del siglo XIX. Allí, de la mano de Isadora Duncan, surge la danza libre: se rechazan las formas clásicas del ballet, y se buscan movimientos naturales y sencillos, la improvisación y el contacto con la naturaleza.
Gracias a Duncan y Loie Fuller, se impulsa el desarrollo de la danza moderna y se funda la primera escuela nacional: la Denishawn School, cuya dirección artística corre a cargo de Ruth Saint Denis. De allí surge una nueva generación de bailarines, que cambiarán para siempre el rumbo de la historia de la danza.
Entre ellos, destacan Martha Graham y Doris Humphrey; quienes sentaron las bases de lo que hoy consideramos que es danza contemporánea. Ambas buscaban un lenguaje nuevo acorde a todos los cambios (sociales, políticos, históricos…), que estaban teniendo lugar a principios del siglo XX; y ambas coincidieron en que las técnicas del ballet no les ayudaban a expresar las formas nuevas que querían desarrollar. El principio de la técnica Graham es el binomio contracción-relajación; y en la técnica de Humphrey, el fall and recovery.
Los conceptos de la danza moderna americana llegaron a Europa a través de Francia. Nureyev, el director artístico de la ópera de París (y bailarín clásico por excelencia), comienza a organizar talleres de danza moderna para sus bailarines con Carolyn Carlson y Alvin Nikolais, entre otros.


Carlson introduce un mundo nuevo y descubre nuevas posibilidades a los franceses, que añadieron un toque de intelectualidad a las enseñanzas americanas. Así surge la nouvelle danse francesa, que buscaba estimular el pensamiento, proponer una reflexión mediante la danza. Maguy Marin y Dominique Bagouet son los principales impulsores de este movimiento.
La investigación de la expresión del cuerpo comenzó a extenderse por Europa. Rudolf Laban estableció su sistema de notación matemática del movimiento, que dio herramientas a Kurt Jooss, considerado fundador de la especialidad danza-teatro. Esta corriente, sumada a las teorías expresionistas alemanas, fue desarrollada por Mary Wigman.
La danza-teatro llega a su apogeo con Pina Bausch, una de las creadoras más importantes de finales del siglo XX y que ha influido en la mayoría de las producciones de danza actuales. Pina experimenta con el movimiento de manera más radical que sus predecesores. En sus propias palabras: “No me interesa cómo se mueve la gente, sino lo que les mueve”.
En la década de los 60 surgió el postmodernismo (que no hace referencia al movimiento modernista sino a la danza moderna). Entre sus figuras, cobra especial importancia el trabajo del coreógrafo Merce Cunnigham, que cuestionó incluso el rol de coreógrafo y su control sobre la obra acabada. Con la llegada del postmodernismo, la experimentación se vuelve radical en todas las artes, con el lema “anything goes“ (todo vale).
Estos principios postmodernistas contribuyen a la explosión de una nueva corriente de danza en los Países Bajos, la escuela holandesa, que culmina con la creación del Nederlands Dans Theatre. Su director, Hans Van Manen, creó los primeros pasos a dos para bailarines masculinos, cuestionando así el género y otras formas establecidas del ballet clásico. Van Manen y Jirí Kylián encabezaron la nueva danza holandesa, incorporando en sus coreografías elementos de la danza moderna y clásica.


Anne Teresa de Keersmaeker es otra figura primordial para entender qué es la danza contemporánea. Alumna de Mudra (la escuela fundada por Maurice Béjart), Anne pensaba que sí se pueden crear coreógrafos, si se les dan las herramientas adecuadas. Es por ello que funda en Bélgica la escuela P.A.R.T.S. que aceptaba no solo a alumnos provenientes del mundo de la danza, sino también a psicólogos, actores… Sus alumnos crearon un lenguaje nuevo, no contaminado, que reactivó el panorama de la danza europea.
De igual forma, el teatro londinense Sadler’s Wells sirvió para impulsar la danza contemporánea en el Reino Unido. En 1998 se convirtió en un centro dedicado a la danza, que ofrece residencias artísticas para quienes tienen un proyecto coreográfico, además de trabajar para incentivar la danza entre la gente joven y el interés de las instituciones. En sus escenarios aparecen con frecuencia artistas como Akram Khan, Matthew Bourne o DV8.
La danza contemporánea en España
En España la danza contemporánea tuvo un desarrollo tardío, debido en parte a la Guerra Civil. Durante los 40 años de la dictadura franquista España estuvo aislada. Mientras, en Estados Unidos triunfaban Martha Graham y Merce Cunnigham, y en Alemania se desarrollaban las teorías expresionistas.
Con la democracia llegaron el cambio y la modernidad. Entre otros, son nombres imprescindibles de la danza contemporánea en España Sol Picó, Marina Mascarell, Marcos Morau (La Veronal), La Ribot, la compañía de danza de Carmen Werner, Daniel Abreu, Teresa Nieto o Sharon Fridman.


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